Este texto resulta farragoso y algo extenso, llegando en algunos momentos a desorientar al lector, en su análisis de la pintura del Quattrocento y la poesía islámica, no se sabe que pretende demostrar y adonde quiere llegar, para luego finalizar con unas conclusiones algo tangibles.
Lo que no llego a comprender es la necesidad del ser humano de explicar el arte, su sentido, su simbolismo,etc.
Pienso que es el espectador que contempla la obra de arte, el que debe valorar esa obra, sin que nadie tenga que explicársela. Es él, por medio de su contemplación el que debe hallar una explicación propia y personal de la misma. Lo interesante del arte es que puede expresar y hacerles sentir cosas distintas a personas distintas. No existe una verdad absoluta.
Por otra parte, es evidente que el arte bebe de la cultura donde se desarrolla y el contexto que la rodea.
22 de febrero de 2010
21 de febrero de 2010
"Didáctica de la Educación Artística". Comentarios
La visión que yo tengo de la educación artística se aproxima a la desarrollada en la etapa de la segunda mitad del s. XIX, basada en la autoexpresión creativa de Herbert Read y Viktor Lowenfeld, y su revisión disciplinar posterior de Elliot Eisner. El enfoque de la educación artística en la antigüedad y en la Edad Media resulta primitivo, simplista, destinada a unos pocos, y encorsetado en normas muy rígidas, que no permitía ningún atisbo de creatividad.
En el s. XIX, aunque existe una apertura de la educación artística a gran parte de la población, sigue siendo rígida, y basada nada más en la representación veraz de la naturaleza, o en el dibujo técnico, para el acceso a un trabajo especializado.
En el s. XX, se empieza a reconocer imágenes y objetos de otras culturas, así como el descubrimiento del arte infantil, es decir, comienza a abrirse la mente a otros campos, se flexibiliza.
Es destacable la importancia que toma el dibujo, como una de las cuatros disciplinas fundamentales de la enseñanza de Aristóteles. Por el contrario considero algo negativo el distinguir como únicas funciones de la enseñanza del dibujo, la utilidad y la belleza.
En cuanto a la etapa de la Edad Media, resulta negativo la falta de consideración social artística de los oficios manuales, los cuales son los que se va encargar de transmitir los conocimientos artísticos. Otro aspecto negativo, es el no esperar originalidad ni innovación estilística en las creaciones artísticas. Como aspecto a destacar es la enseñanza de los materiales y técnicas, algo fundamental a mi criterio en la educación artística.
De la etapa de s. XIX, podemos destacar la organización de los Sistemas Educativos, siendo obligatorio el dibujo en primaria y secundaria para toda la población.No obstante, el considerar solo dos vertientes, una la técnica y otra la artística, entendiendo ésta solo como una veraz representación de la naturaleza basada en la belleza, resulta bastante incompleta.
De la primera mitad del s. XX se abren las fronteras de las espectativas del arte, anteriormente bastante encorsetado en los aspectos racionales y estéticos.
En la segunda mitad del s. XX, de la Autoexpresión Creativa, es reseñable la importancia del papel de la persona frente a los contenidos, es decir, lo más importante es la formación como persona para integrarse en la sociedad, potenciando su sensibilidad, creatividad, expresividad, comunicación, autoestima, equilibrio, etc.. De toda esta flexibilización de la educación, es importante remarcar que no todo puede ser libertad expresiva, sin tener conocimiento de los métodos, herramientas, materiales, etc, aunque posteriormente el alumno los desheche aplicando unos nuevos extraídos de su propia investigación, pero la base hay que proporcionarla.
El modelo mas completo, pero que también presenta algunos defectos, es el de Elliot Eisner, en el que se hace una revisión de la autoexpresión. Profundiza en la educación artística admitiendo una visión más amplia de las obras de arte, de distintas culturas, épocas o tradiciones, pero se vuelve a caer en el error de rigidizar la enseñanza, de marcar las pautas, de que es lo que esta bien y que es lo que está mal, elitizando el arte, excluyendo imágenes y contextos cotidianos, y sin capacidad de reacción para recoger las nuevas tendencias artísticas y culturales. No obstante, está última apreciación de no tener capacidad para asimilar e incorporar los nuevos temas emergentes, es algo que está pasando en la educación en general, sea cual sea la materia a enseñar. El sistema de enseñanza es muy lento, ante los nuevos conocimientos, generados todos los días.
En el s. XIX, aunque existe una apertura de la educación artística a gran parte de la población, sigue siendo rígida, y basada nada más en la representación veraz de la naturaleza, o en el dibujo técnico, para el acceso a un trabajo especializado.
En el s. XX, se empieza a reconocer imágenes y objetos de otras culturas, así como el descubrimiento del arte infantil, es decir, comienza a abrirse la mente a otros campos, se flexibiliza.
Es destacable la importancia que toma el dibujo, como una de las cuatros disciplinas fundamentales de la enseñanza de Aristóteles. Por el contrario considero algo negativo el distinguir como únicas funciones de la enseñanza del dibujo, la utilidad y la belleza.
En cuanto a la etapa de la Edad Media, resulta negativo la falta de consideración social artística de los oficios manuales, los cuales son los que se va encargar de transmitir los conocimientos artísticos. Otro aspecto negativo, es el no esperar originalidad ni innovación estilística en las creaciones artísticas. Como aspecto a destacar es la enseñanza de los materiales y técnicas, algo fundamental a mi criterio en la educación artística.
De la etapa de s. XIX, podemos destacar la organización de los Sistemas Educativos, siendo obligatorio el dibujo en primaria y secundaria para toda la población.No obstante, el considerar solo dos vertientes, una la técnica y otra la artística, entendiendo ésta solo como una veraz representación de la naturaleza basada en la belleza, resulta bastante incompleta.
De la primera mitad del s. XX se abren las fronteras de las espectativas del arte, anteriormente bastante encorsetado en los aspectos racionales y estéticos.
En la segunda mitad del s. XX, de la Autoexpresión Creativa, es reseñable la importancia del papel de la persona frente a los contenidos, es decir, lo más importante es la formación como persona para integrarse en la sociedad, potenciando su sensibilidad, creatividad, expresividad, comunicación, autoestima, equilibrio, etc.. De toda esta flexibilización de la educación, es importante remarcar que no todo puede ser libertad expresiva, sin tener conocimiento de los métodos, herramientas, materiales, etc, aunque posteriormente el alumno los desheche aplicando unos nuevos extraídos de su propia investigación, pero la base hay que proporcionarla.
El modelo mas completo, pero que también presenta algunos defectos, es el de Elliot Eisner, en el que se hace una revisión de la autoexpresión. Profundiza en la educación artística admitiendo una visión más amplia de las obras de arte, de distintas culturas, épocas o tradiciones, pero se vuelve a caer en el error de rigidizar la enseñanza, de marcar las pautas, de que es lo que esta bien y que es lo que está mal, elitizando el arte, excluyendo imágenes y contextos cotidianos, y sin capacidad de reacción para recoger las nuevas tendencias artísticas y culturales. No obstante, está última apreciación de no tener capacidad para asimilar e incorporar los nuevos temas emergentes, es algo que está pasando en la educación en general, sea cual sea la materia a enseñar. El sistema de enseñanza es muy lento, ante los nuevos conocimientos, generados todos los días.
14 de febrero de 2010
Texto "Didáctica de la Educación Artística". Evolución histórica.
Historia de la didáctica de la educación artística
(Realizado en grupo con José María Ruiz-Capillas)
(Realizado en grupo con José María Ruiz-Capillas)
1. Antigüedad.-
- Platón y Aristóteles
- Aristóteles: Obra “Política” → Cuatro disciplinas: Leer y escribir, gimnástica, música y el dibujo.
- Dos funciones en la enseñanza del dibujo: utilidad y belleza.
2. Edad Media.-
- Oficios manuales sin consideración social artística.
- Aprendizaje centrado en los materiales y técnicas.
- No se esperaba originalidad ni innovación estilística.
- Imitación del buen hacer de un reconocido profesional en talleres.
3. Del Renacimiento al Romanticismo: las Academias de Dibujo (hasta finales del s. XIX).-
- Organización de escuelas y academias de dibujo: primera academia por Giorgio Vasari (Florencia, 1563) → Orientación especializada y profesional.
- Dibujo: fundamento de todas las bellas artes.
- Aprendizaje secuenciado: copias de dibujos cada vez más complejos.
- Contenía estudios teóricos: perspectiva, anatomía, teoría de la proporción, historia del arte y la estética.
4. S. XIX: Dibujo en las Escuelas.-
- Organización de los Sistemas Educativos: el dibujo es materia obligatoria en primaria y secundaria para toda la población.
- Industrialización → Necesidad de aprender a leer, escribir y conocer el dibujo.
- Dibujo con orientación figurativa y fundamentación geométrica.
- Dos grandes vertientes:
- Artística: veraz representación de la naturaleza en pos de la belleza.
- Técnica: exacta y completa descripción de cualquier forma.
- Elaboración de los primeros manuales y cartillas escolares de dibujo.
5. Primera mitad del S. XX.-
- Descubrimiento del arte infantil: dibujo espontáneo infantil.
- Comprensión de la mente infantil: investigaciones en psicología evolutiva.
- Movimientos artísticos de vanguardia: innovaciones en los cuadros y dibujos como en el expresionismo, el cubismo y la abstracción.
- Reconocimiento de imágenes y objetos de otras culturas.
6. Segunda mitad del S. XX: desde la Autoexpresión Creativala Educación Artística
6.1. Autoexpresión Creativa (Herbert Read y Viktor Lowenfeld).-
- Basada en la persona y su desarrollo, no en los contenidos de la enseñanza.
- Potenciar: sensibilidad, creatividad, expresividad, comunicación, autoestima, diferenciación como ser único, equilibrio, etc.
- A través del arte se aprende a ser persona.
- Importancia de los procesos de desarrollo personal sobre los productos.
- Identificación con la tarea, intensificación de emociones y sentimientos, descubrimiento creativo del mundo y de sí mismo.
- Educación artística basada en el dibujo libre y espontáneo.
- Capacidad creativa sobre copias de obras.
- Diferencias entre el modo tradicional de enseñanza del dibujo y la dedicada al desarrollo de la creatividad (Lowenfeld):
Imitación | Autoexpresión |
Sigue un nivel que no es propio sino ajeno | Está de acuerdo con el nivel del niño |
Pensamiento sometido o dependiente | Pensamiento independiente |
Frustración | Liberación o descarga emocional |
Inhibiciones y limitaciones | Libertad y flexibilidad |
Adherencia a formas establecidas | Fácil adaptación a situaciones nuevas |
Dependencia, rigidez, inclinación a seguir a otros | Progreso, éxito y felicidad |
- INSEA (Sociedad Internacional de Educación a través del Arte) París, 1.954
- UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación , la Ciencia y la Cultura ) en 1955, a través de la Oficina Internacionalla Educación , aprobó las recomendaciones relativas a la enseñanza de las artes plásticas en las escuelas primarias y secundarias. Dos argumentaciones:
- Obligatoriedad de la Educación Artística
- Libre expresión, como método más adecuado de enseñanza.
6.2. El Lenguaje Visual como modo de conocimiento.-
- Dos argumentos:
- “Ver es pensar” (Rudolf Arnheim).
- Las artes visuales constituyen un lenguaje: desarrollo de medios de comunicación visual y de la semiótica o ciencia de los signos.
- Percepción visual: proceso cognitivo activo y complejo.
- Paralelismo entre lenguaje verbal y visual. Peso de la publicidad.
- Diez elementos básicos del lenguaje visual (Dondis): Punto, Línea, Contorno, Dirección, Tono, Color, Textura, Proporción, Dimensión y Movimiento.
6.3. Elliot Eisner: la revisión disciplinar de la autoexpresión.-
- Actividad artística: construcción de conocimientos especializados distintivos de cada cultura.
- DBAE (La Educación Artísticala Disciplina ) para la escuela primaria (1982- 2000)
- Objetivo: desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte.
- Requisitos: conocer las teorías, conceptos artísticos y tener una experiencia creadora. Secuencialización de contenidos, actividades y nivel de profundidad.
- Cuatro disciplinas:
Estética: desarrolla las teorías y conceptos sobre la naturaleza del arte.
Crítica: establece fundamentos para valorar y juzgar actividades artísticas contemporáneas.
Historia del arte: explica los contextos en los que han sido creadas las obras de arte.
Modalidades artísticas: desarrollan los procesos y técnicas para crear arte (dibujo, pintura, escultura, cerámica, arquitectura, etc.)
- Currículo:
- Las obras de arte deben ocupar el lugar central.
- Debe contener las bellas artes, las artes populares, el diseño y las artesanías, de todas las culturas y de todas las épocas.
- Debe organizarse de menos a más en cantidad y complejidad.
- Debe ser claro para valorar resultados y procedimientos de evaluación.
- Creatividad: capacidad para dar con respuestas innovadoras a partir de un profundo conocimiento y dominio de las convicciones artísticas. Se fomenta a través del conocimiento de las mejores obras de arte.
Críticas:
- Desatiende imágenes y contextos visuales más cotidianos y próximos.
- Dependencia de los ámbitos profesionales más establecidos en el mundo académico.
12 de febrero de 2010
Unidad Didáctica
Unidad didáctica
(Realizado en grupo con José María Ruiz-Capillas)
1.- Introducción.-
El correcto manejo de la Unidad Didáctica es importante para la completa y ordenada función de enseñanza-aprendizaje que va a realizar en el futuro el alumnado de este máster. Organiza los contenidos que se van a tratar y la forma en la que se desarrollarán para su completa comprensión por el alumnado.
Alumnado compuesto en su mayoría por arquitectos, aparejadores y licenciados en bellas artes. 58 veinteañeros y treintañeros, que pretenden dedicarse en un futuro a la enseñanza o simplemente profundizar en sus mecanismos. Se va a desarrollar en un aula con sillas fijas atornilladas al suelo, con incomodidades notables para zurdos, y orientadas hacia un entarimado de madera sobreelevado que se sitúa en esa dirección.
2.- Objetivos.-
- Entender el contenido de una Unidad Didáctica y utilizarla para la práctica futura como docentes.
- Realizar una UD.
- Salir sin dudas y convencidos de su utilidad.
- Trabajar en grupo.
- Realización de mapas conceptuales.
- Contextualización dentro de una programación más amplia.
- Uso correcto de los conceptos de una UD.
- Organización temporal de un tema (o varios) a tratar en el tiempo establecido.
- Autonomía e iniciativa personal.
- Conceptuales: Exposición explicada de los términos y su relación.
- Procedimentales: Hacer una UD.
- Actitudinales: Debatir entre los miembros del grupo.
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7 de febrero de 2010
Educación artística y educador artístico. Arte, artista y manifestación estética.
Educación artística y educador artístico. La educación artística consiste en poner en conocimiento de los alumnos, de las herramientas y los fundamentos necesarios para el desarrollo artístico de los mismos, así como del análisis objetivo de toda manifestación artística. Es el que desarrolla la función educadora, mediando y puliendo, la manera de expresarse artísticamente del alumno, potenciando y enfatizando sus virtudes.
Arte y manifestaciones estéticas.
Goce estético en estas imágenes. No creo que exista el goce estético en estas imágenes, más bien lo que se valora es la originalidad y exclusividad de unas imágenes de un acontecimiento histórico, sea de la índole que sea. Además dentro del ser humano existen ciertos rasgos de morbosidad. Es como cuando se produce un accidente en el sentido contrario de una autovía o autopista, y a su vez, se produce un atasco en el sentido por el que tu circulas. Todos reducen su velocidad al paso del accidente, no por precaución sino para mirar con el rabillo del ojo, con miedo de ver algo desagradable, peor a su vez con una curiosidad inaplacable.
Arte como "patrimonio" cultural. La exclusividad y originalidad de las obras artísticas, trascurridas un tiempo son asumidas como el simbolismo por el cual se identifica, ya sea, una nación, población, y en general, un grupo de personas con algo en común, siempre que esta obra se desarrolle en el seno de ese grupo. Así pues el arte pasa a ser patrimonio cultural.
Arte y belleza. El arte no tiene por qué ser bello. El arte debe provocar y expresar sobre el que lo contempla distintas sensaciones, cuya cualidad puede, pero no tiene por qué ser únicamente la belleza.
Las manifestaciones físicas de la naturaleza se consideran objetos estéticos, mientras que la representación e interpretación de esa realidad se puede hacer mediante el objeto artístico.
Límites a la creación artística. El hecho de que una persona se autoinfrinja un daño, y que por ello tenga un grupo de seguidores locos aclamándole, no significa que esa acción se pueda considerar arte. Así, si cualquier persona desarrolla un objeto, acción o manifestación, material o inmaterial, y ésta tiene un mínimo de seguidores que lo consideran arte, no significa que lo sea. Si eso fuese así, todos los objetos, actuaciones, manifestaciones del planeta podrían ser considerados de un modo u otro arte, con lo que dejaría de tener sentido hacer alguna distinción, ni si quiera nombrarla.
Técnica en la obra de arte. Considero necesario que el artista tenga conocimientos de la técnica, pero no que tenga que aplicarlos en el objeto artístico.El artista debe expresar algo con su obra, pero aplicando o no la técnica que quiera, lo importante es el resultado.
Creatividad. La creatividad es condición de la obra de arte.
Esencia en la obra de arte. Existe una esencia que es la de transmitir, provocar o expresar unos sentimientos, por parte del autor, a aquel que contempla su obra de arte.
Nociones sobre:
- Arte: 1.- Es cualquier cosa (cuadro, música...) que logre expresarse por si mismo. 2.- Transmitir algún sentimiento independientemente de la forma en que se haga.
- Artista: 1.- La persona que expresa mediante su obra. 2.- Persona capaz de transmitir sentimientos pro medio de su obra.
- Manifestación estética: Obra que solo expresa valores estéticos.
Arte y manifestaciones estéticas.
Goce estético en estas imágenes. No creo que exista el goce estético en estas imágenes, más bien lo que se valora es la originalidad y exclusividad de unas imágenes de un acontecimiento histórico, sea de la índole que sea. Además dentro del ser humano existen ciertos rasgos de morbosidad. Es como cuando se produce un accidente en el sentido contrario de una autovía o autopista, y a su vez, se produce un atasco en el sentido por el que tu circulas. Todos reducen su velocidad al paso del accidente, no por precaución sino para mirar con el rabillo del ojo, con miedo de ver algo desagradable, peor a su vez con una curiosidad inaplacable.
Arte como "patrimonio" cultural. La exclusividad y originalidad de las obras artísticas, trascurridas un tiempo son asumidas como el simbolismo por el cual se identifica, ya sea, una nación, población, y en general, un grupo de personas con algo en común, siempre que esta obra se desarrolle en el seno de ese grupo. Así pues el arte pasa a ser patrimonio cultural.
Arte y belleza. El arte no tiene por qué ser bello. El arte debe provocar y expresar sobre el que lo contempla distintas sensaciones, cuya cualidad puede, pero no tiene por qué ser únicamente la belleza.
Las manifestaciones físicas de la naturaleza se consideran objetos estéticos, mientras que la representación e interpretación de esa realidad se puede hacer mediante el objeto artístico.
Límites a la creación artística. El hecho de que una persona se autoinfrinja un daño, y que por ello tenga un grupo de seguidores locos aclamándole, no significa que esa acción se pueda considerar arte. Así, si cualquier persona desarrolla un objeto, acción o manifestación, material o inmaterial, y ésta tiene un mínimo de seguidores que lo consideran arte, no significa que lo sea. Si eso fuese así, todos los objetos, actuaciones, manifestaciones del planeta podrían ser considerados de un modo u otro arte, con lo que dejaría de tener sentido hacer alguna distinción, ni si quiera nombrarla.
Técnica en la obra de arte. Considero necesario que el artista tenga conocimientos de la técnica, pero no que tenga que aplicarlos en el objeto artístico.El artista debe expresar algo con su obra, pero aplicando o no la técnica que quiera, lo importante es el resultado.
Creatividad. La creatividad es condición de la obra de arte.
Esencia en la obra de arte. Existe una esencia que es la de transmitir, provocar o expresar unos sentimientos, por parte del autor, a aquel que contempla su obra de arte.
Nociones sobre:
- Arte: 1.- Es cualquier cosa (cuadro, música...) que logre expresarse por si mismo. 2.- Transmitir algún sentimiento independientemente de la forma en que se haga.
- Artista: 1.- La persona que expresa mediante su obra. 2.- Persona capaz de transmitir sentimientos pro medio de su obra.
- Manifestación estética: Obra que solo expresa valores estéticos.
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